Описание картины густава климта «афина паллада» (1898)

Густав Климт

Климт Гюстав (1862-1918)

Густав Климт родился 14 июля 1862 года в венском пригороде Баумгартенс. Он был вторым ребенком не слишком удачливого гравера Эрнста Климта и его жены Анны, урожденной Финстер (всего в семье было семь детей). У мальчика рано обнаружился дар к рисованию и в 1876 году он, блестяще выдержав вступительные экзамены, поступил в венскую Художественно-промышленную школу.

Все дети Климтов отличались завидными художественными способностями. В той же Художественно-промышленной школе учились младший брат Густава Эрнст (к сожалению, рано умерший) и старший брат Георг, впоследствии ставший довольно известным мастером.

Он, кстати, позже не однажды делал изумительные рамы для картин Густава, исполняя их в стилистике самих полотен.
Густавом и Эрнстом школа гордилась. Будучи еще студентами, в 1879 году, они вместе со своим соучеником Францем Матчем объединились в своеобразную художественную «команду», быстро получившую известность.

В 1880 году это «трио» (ни одному из его членов не исполнилось еще и 20-ти лет) пригласили расписать павильон минеральных вод в Карлсбаде (теперь это чешский город Карловы Вары).
В 1883 году молодые художники открыли в Вене собственную мастерскую.

Поначалу мастерская получала заказы от провинциальных городов тогдашней Австро-Венгрии, но скоро юными мастерами заинтересовалась и столица. Вена в те времена активно перестраивалась, стараясь стать вполне имперским городом. В центре города на расчищенных площадях разбили величественный бульвар Рингштрассе.

Вдоль бульвара возводили помпезные здания — в том числе и повое здание национального театра («Бургтеатр»). В 1886 году Климтов и Матча привлекли к его оформлению. К 1888 году они изобразили сцены из истории театра на тимпане фронтона и плафонах главных лестниц.

Уже в 1890 году последовало новое, не менее престижное, предложение — поработать в венском Художественно-историческом музее. Роспись лестниц музея была начата известным художником Гансом Макартом (1840-1884), но не закончена из-за его преждевременной смерти. Молодым людям предстояло завершить этот труд. Они в то время преклонялись перед Макартом и, приступив к работе, почувствовали себя его наследниками.

Портрет Эмилии Флеге

Получив хорошие деньги за выполнение этих заказов, Густав и Эрнст Климты и Франц Матч первым делом расширили свою мастерскую, намереваясь развить общий успех. Это произошло в 1892 году, а в конце этого года неожиданно умер Эрнст Климт. От «трио» остался лишь «дуэт».

Густав взял па себя попечение о 28-летней вдове Эрнста, Елене Флёге, и его дочери. Годом раньше скончался отец художника — приходилось заботиться еще и о матери. Впрочем, его материальное положение позволяло не слишком беспокоиться по поводу будущего, денег на все хватало.

Около этого времени Климт сблизился с сестрой Елены Флёге, Эмилией, владелицей дома моды. Их связь продлилась всю жизнь. Многие считали их мужем и женой, однако есть основания полагать, что отношения между художником и Эмилией всегда оставались только платоническими.

При этом сексуальная жизнь Климта протекала весьма бурно. У него было много любовниц, причем не только из числа позировавших ему натурщиц, но и из вполне приличного общества.

После смерти художника (ни разу, к слову, официально не женатого) четырнадцать человек объявили себя его незаконнорожденными сыновьями и дочерьми. Четверым из них удалось доказать родство, и они получили свои доли в наследстве Климта.

В 1894 году Матч и Климт получили заказ на роспись Большого зала Венского университета. Работа осложнилась из-за разногласий, возникших между бывшими друзьями. В результате каждый из них взялся за отдельные картины. Вскоре Матч покинул мастерскую. Споры Климта и Матча были вызваны их художественными расхождениями: Матч оставался верен традиционной живописи, в то время как Климт напряженно искал новые пути. Многое он воспринял от импрессионизма, символизма и модернизма, стремительно сменявших друг друга на европейской художественной арене, и считал, что австрийская живопись окончательно застряла в прошлом. Ему хотелось свежего воздуха. В 1897 году Климт вместе со своими единомышленниками поднял бунт, основав венский Сецессион — группу, в которую вошли революционно мыслящие художники. Он же стал и президентом Сецессиона.

Климт буквально на глазах превратился из солидного живописца, обслуживавшего консервативную публику в лидера австрийского авангарда. Первую работу, выполненную в рамках выполнения полученного заказа на оформление Венского университета, он показал лишь в 1900 году на выставке Сецессиона. Картина называлась «Философия».

За ней должны были последовать «Юриспруденция» и «Медицина». «Философия» вызвала споры. Восемьдесят семь профессоров университета обратились в Министерство образования с письмом, обвиняющим Климта в том, что он «выражает неясные идеи с помощью неопределенных форм», и требующим отозвать у него заказ.

В том же году эта картина получила золотую медаль на Всемирной выставке в Париже.

Показ незавершенных «Юриспруденции» и «Медицины» на выставке Сецессиона в 1903 году окончателыю испортили репутацию художника в добропорядочной среде.

Многие находили его «Медицину» откровенно порнографической, а «Юриспруденцию» обвиняли в «зауми». Раздраженный нападками Климт вернул в 1905 году полученный от Министерства образования аванс и оставил свои работы у себя.

Позже он продал их в частные руки — в годы Второй мировой войны все три картины сгорели.

Юдифь с головой Олоферна

После разразившегося скандала художник больше никогда не «связывался» с государством. Художественная свобода была ему дороже. Никогда он больше не писал и монументальных полотен, обратившись к созданию небольших по формату аллегорических картин для частных собраний. Наиболее же активно он работал в жанре портрета.

Помимо этого, Климт много занимался орнаментальной живописью.
Склонность к некоторому минимализму (в том, что касается размера работ) позволила Климту получить заказ от бельгийского промышленника Адольфа Стокле на оформление его нового дома в Брюсселе.

Это был самый крупный в жизни художника заказ — выполняя его, он создал знаменитый «Фриз Стокле».

В конце девяностых начинается самый успешный период творчества художника, так называемый «золотой период», когда в его работах часто и помногу встречается позолота. Именно к этому времени относятся «Поцелуй», «Золотая Адель» и многие другие картины.

Жил Климт очень скромно. За границу (да и то ненадолго) он выезжал всего несколько раз в жизни, большую часть времени проводя в Вене и покидая ее лишь для того, чтобы отдохнуть несколько летних недель на озере Аттерзее, в Австрийских Альпах.

Несмотря на то, что художник отличался крепким телосложением, любил плавать и заниматься греблей, прогрессирующая депрессия вынуждала его ежегодно, начиная с 1912 года, ездить на воды. Дома Климт жил вместе со своей матерью. Ежедневно он увлеченно работал, иногда далее забывая про обед.

Политикой он совершенно не интересовался, и, кажется, не слишком обратил внимание на грянувшую мировую войну.
Крах Австро-Венгрии в этой войне совпал с закатом жизни художника, чье творчество обозначило «золотой век» в истории венской живописи.

11 января 1918 года Климта постиг удар, после которого он уже не оправился. Скорбное дело довершила страшная эпидемия гриппа, разразившаяся в Европе. 6 февраля 1918 года Климта не стало.

Женщина с веером

Девушка в белом

Женщина и девочка

Портрет Марии Мунк

Портрет Серены Ледерер

Три возраста женщины

Масштабных литературных трудов Климт не оставил: он не вел дневников, да и вообще мало писал о своем видении искусства или методах. Все, что он написал о своем творчестве, сводится к небольшому тексту, озаглавленному «Комментарий на несуществующий автопортрет», где, среди прочего, сказано:

«Не существует моих автопортретов. Я скорее интересуюсь не собой как материалом для картины, а другими людьми, особенно женщинами, и даже еще больше другими явлениями. Я убежден, что как человек я не очень-то интересен. Во мне нет ничего особенного, чтобы смотреть на меня.

Я — художник. Художник, который пишет каждый день с утра до вечера. Фигуры, пейзажи, время от времени — портреты. Я недостаточно хорошо владею словом, чтобы взяться за рассказ о своей работе… Если вам действительно хочется больше узнать обо мне — как о художнике, разумеется, — посмотрите внимательнее на мои картины, которые расскажут вам обо мне намного лучше, чем я сам».

Понравился наш сайт? Присоединяйтесь или подпишитесь (на почту будут приходить уведомления о новых темах) на наш канал в МирТесен!

Богиня Афина — как она выглядит и чему покровительствует? Картина афина

АфинаАфина богиня мудростиБартоломеус Шпрангер1593 годАфина и ГермесБартоломеус Шпрангер1585 год Афина, в греческой мифологии богиня мудрости, справедливой войны и ремесел, дочь Зевса и титаниды Метиды.

Зевс, узнав, что сын от Метиды лишит его власти, проглотил беременную супругу, а затем сам произвел на свет совершенно взрослую Афину, вышедшую с помощью Гефеста из его головы в полном боевом облачении. Афина являлась как бы частью Зевса, исполнительницей его замыслов и воли. Она — мысль Зевса, осуществленная в действии.

Ее атрибуты — змея и сова, а также эгида, щит из козьей шкуры, украшенный головой змееволосой Медузы, обладающий магической силой, устрашающий богов и людей. По одной из версий, статуя Афины, палладий, якобы упала с небес; отсюда ее имя — Афина Паллада.

Ранние мифы описывают, как Гефест пытался силой овладеть Афиной. Чтобы избежать потери девственности, она чудесным образом исчезла, и семя бога-кузнеца пролилось на землю, породив змея Эрихтония.

Дочери первого правителя Афин, полузмея Кекропа, получив на хранение от Афины сундук с чудовищем и наказом не заглядывать внутрь, нарушили обещание. Разгневанная богиня наслала на них безумие. Она же лишила зрения юного Тиресия, случайного свидетеля ее омовения, но наделила его даром прорицателя.

Афина в период героической мифологии боролась с титанами и гигантами: она убивает одного гиганта, с другого сдирает кожу, на третьего наваливает остров Сицилию.

Классическая Афина покровительствует героям и защищает общественный порядок. Она выручала из беды Беллерофонта, Ясона, Геракла и Персея. Именно она помогла своему любимцу Одиссею преодолеть все трудности и добраться до Итаки после Троянской войны. Самая значительная поддержка была оказана Афиной матереубийце Оресту.

Она помогла Прометею похитить божественный огонь, защищала греков-ахейцев во время Троянской войны; она — покровительница гончаров, ткачих и рукодельниц. Культ Афины, распространенный по всей Греции, особенно почитаем был в Афинах, которым она покровительствовала.В римской мифологии богине соответствует Минерва.

Тут Жд билеты на поезда дальнего следования.

Описание картины Густава Климта «Афина Паллада» (1898)

Самобытность австрийского художника Густава Климта заключается в изображении им женщин в качестве главных героинь произведений.

В своих полотнах он касается таких общезначимых тем, как смерть, преклонный возраст, любовь, изображенные выразительными броскими красками, преимущественно в золотых тонах.

Особенно эффектны на его холстах образы могущественных повелительниц и губительных красавиц, властвующих над мужчинами и приносящих им гибель.

Галерея сверхженщин начинается с Афины Паллады, изображенной в золотых доспехах, увешанной оружием, уверенной в победе над всем мужским родом. Отдельные детали, впервые возникшие на этом полотне, впоследствии станут иметь первостепенное значение в дальнейшем творчестве мастера, к примеру, применение благородного металла и метаморфозы тела в узор, а орнамента – в плоть.

На картине по грудь изображена женщина в доспехах: из-под шлема, наполовину скрывающего ее лицо и голову, выбиваются пряди длинных каштановых волос, струящихся по груди. В согнутой и поднятой вверх руке она держит металлическое копье, слегка опираясь на него.

В другой руке персонаж держит атрибут власти в виде шара с укрепленной на нем миниатюрной обнаженной женской фигуркой. Кольчуга из золотых колец украшена на шее щитком с отчеканенным на нем сатиром.

Стоит она на фоне стены, покрытой рисунками женской фигуры с левой стороны от героини, а справа затененный рисунок мифического животного на фоне орнамента из колец, перекликающегося с кольчугой.

В отличие от других красавиц на холстах мастера, Афина источает могущество, властолюбие, ее воинственность имеет магнетическую природу.

Блеск ее доспехов – блистающего шлема, нагрудника из золотых колец – соотносится с сиянием ее живых, горящих огнем глаз, которые стали символизировать отстаивание сецессионистами права на свободное самовыражение.

Критики настолько впечатлились Афиной, что дали ей имя «демон сецессиона». Она дала старт новому витку в работах живописца, который назвали золотым периодом. В образе Афины Климта захватывала ее божественная суть.

Интересная судьба знаменитой картины — Вспомнить, подумать..

Рембрандт Харменс ван Рейн Афина Паллада или Александр Великий. 1660-1661.( Музей Калуста Гюльбенкяна. Лиссабон (до 1930 года — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) )

Мерцание золотистого света на доспехах богини, таинственный красный цвет перевязи и пышных перьев, спадающих с изображения совы, венчающей ее шлем — и перед нами «Афина Паллада». Это одно из самых притягательных полотен последнего периода Рембрандта.

Как почти во всех поздних творениях голландского живописца, сюжет этого полотна подвергался разному толкованию. Молодой воин представлен художником в трехчетвертном повороте на сумрачном темном фоне. Падающий слева свет заставляет сверкать во тьме его металлический доспех.

Легкая полутень лежит на его лице. Нет сомнений, что это герой классической древности, однако кто именно? Атрибуты несут огромную изобразительную и смысловую нагрузку в этой композиции. Причудливые детали костюма невольно интригуют зрителя. Голову рыцаря украшает роскошный шлем.

Его высокий гребень увенчан фигуркой совы и пышным плюмажем из алых перьев. Эти мотивы — вольная фантазия на тему парадного позднее ренессансного вооружения. Рембрандт, большой ценитель и коллекционер старинного оружия, с видимым удовольствием передает блеск золоченого металла.

Выбившаяся из-под шлема длинная прядь вьющихся волос ниспадает на складки винно-красного плаща, наброшенного поверх кирасы с оплечьями. Именно про такого Рембрандта авангардист Филипп Гастон сказал, что «в Рембрандте искусство исчезает.

Любая его картина, это вовсе не картина, но реальная личность – это голем, рукотворный заместитель человека. Рембрандт – единственный художник во всем мире!».

В самом раннем рукописном каталоге Эрмитажа (1773 — 1785) полотно Рембрандта упоминалось под названием «Афина-Паллада».

Афина — «владычица» — в древнегреческой мифологии — богиня справедливой войны и мудрости, одна из наиболее почитаемых богинь Древней Греции.

Кроме того, богиня знаний, искусств и ремёсел; дева-воительница, покровительница городов и государств, наук и ремёсел, ума, сноровки, изобретательности.

Однако далеко не все соглашались с таким мнением. В опись коллекции Бодуэна (1780) эта композиция внесена как «портрет Александра в доспехе Паллады». Александру Македонскому приписывали и особое покровительство Афины. Позднее в литературе картину называли «Марсом», «Портретом Титуса» и «Молодым воином».

Впервые «Афина» (холст, масло, 118х91 см) прибыла на берега Невы в составе большой коллекции, приобретенной во Франции в 1781 г. для императрицы Екатерины II.

Владелец этого полотна, граф Сильвестр-Рафаэль Бодуэн (1715 — 1797), был известным гравером-любителем и большим знатоком старинных картин.

В 1930 году судьба картины, как и многих других произведений искусства в те времена, резко изменилась. В мае 1930 года, по решению советского правительства, «Афина-Паллада» Рембрандта была продана нефтяному магнату, известному коллекционеру Галусту Гюльбенкяну (1869 — 1955).

Галуст Гюльбенкян был сыном богатого армянского нефтепромышленника и банкира, сколотившего состояние на импорте керосина из России в Оттоманскую империю. В награду за эту деятельность султан назначил его управляющим порта на Черном море.

Добыча нефти постепенно становится прибыльным делом, но если европейские страны и США еще не интересовались всерьез нефтяными богатствами Среднего Востока, то Галуст Гюльбенкян уже тогда осознал перспективы их широкомасштабной разработки.В 1892 он переехал в Лондон и активно занялся нефтяным бизнесом.Активный участник всех нефтяных проектов того времени.

Его также называли «Господин пять процентов». Рассказывают про него интересный случай.Гюльбенкян отправился в круиз по Средиземному морю. У берегов Марокко он обратил внимание на странный корабль с трубой на корме.-Что это?- спросил он у путешествовавшей вместе с ним дочери.- Ведь это же нефтяной танкер, папа,- удивленно ответила Рита.

Она и не подозревала, что ее отец- известный торговец нефтью, недавно заключивший одну из крупнейших сделок века, никогда раньше не видел такого судна.

У Гюльбенкян была одна страсть – коллекционирование произведений искусстваВ начале 20-х годов он приобрел в Париже дом на авеню Йены 51, выстроенный в модном по тем временам стиле и оснащенный самыми современными системами, обеспечившими комфортные условия для размещенных в его стенах произведений искусства.

С 1927 года вплоть до начала войны он служил ему домом, мастерской и своеобразным музеем без посетителей, так как владелец коллекции ревностно охранял ее. Здесь они многие годы находились в затворничестве. Хозяин не допускал к своим «детям» (так он называл экспонаты своей коллекции) посторонних.

Напрасно хранители национальных галерей Лондона и Вашингтона пытались убедить ревнивого хозяина в необходимости сделать свои сокровища доступными взору общественности.

Интересен тот факт, что в том же здании располагалась иранская дипмиссия, в которой Гюльбенкян служил советником по экономике.

В годы Второй мировой войны, когда встал вопрос конфискации здания, зять Гюльбенкяна Геворк Есаян, благодаря своему дипломатическому таланту, смог отстоять здание и не допустить его передачи высокопоставленному немецкому военному.В апреле 1942 года, в самый разгар войны, Галуст Гюльбенкян переехал в Португалию.

За два года до кончины Гюльбенкян составил завещание, выразив желание создать в Лиссабоне фонд, призванный собрать и сохранить большую часть его коллекций. Он оставил фонду 2,6 миллиарда долларов и обеспечил годовым бюджетом в 102 миллиона долларов.

В 1929—1934 годах советское правительство во главе со Сталиным предприняло акт распродажи полотен эрмитажной коллекции. Продажу полотен первого ряда предполагалась провести тайно, но информация распространилась между избранными западными торговцами. Первым покупателем шедевров Эрмитажа стал Гюльбенкян, торговавший тогда нефтью с Советской Россией. Г. Л.

Пятаков, налаживавший с ним торговые контакты, с целью установления контакта за несколько лет до этого предложил коллекционеру приобрести некоторые картины.

Гюльбенкян с радостью откликнулся и направил свой список, куда входили и «Юдифь» Джорджоне, «Блудный сын» Рембрандта и «Персей и Андромеда» Рубенса, но сделка не состоялась, и картины остались в Эрмитаже

.Наконец в 1930-м г. было принято решение продолжить продажу шедевров первого ряда, поскольку они гарантированно найдут покупателя и будут проданы , что было необходимо, чтобы выполнить план по выручке валюты.

Комиссары вспомнили об интересе Гюльбенкяна.

Тогдашним наркомом внешней торговли Анастасом Микояном, хорошо знакомым с Гюльбенкяном, ему был продан ряд картин, большинство из которых сейчас находятся в постоянной экспозиции основанного его фондом музее Г. Гюльбенкяна в Лиссабоне.

Вот так в мае 1930 года, по решению советского правительства, «Афина-Паллада» Рембрандта была продана нефтяному магнату, известному коллекционеру Галусту Гюльбенкяну (1869 — 1955).

В результате секретных соглашений, заключенных в Париже между богатейшим предпринимателем и представителями Госторга РСФСР, Эрмитаж принудили выдать в контору «Антиквариат» ряд ювелирных сокровищ и произведений живописи.

«Афина» оказалась в особо ценной партии предметов, в состав которой, помимо шедевров живописи Рембрандта, Г. Тер Борха, Ватто и Н. Лакре, входила также прославленная статуя Гудона «Диана-охотница».

Посланцы Гюльбенкяна, прибыв в Ленинград, стали отбирать интересующие его произведения искусства, давать заключение об их стоимости, следить за упаковкой и отправкой.

С апреля 1929 года до октября 1930-го 51 шедевр бывшего императорского Эрмитажа, проданный по дещевке Гюльбенкяну, навсегда покинул Россию.Никакие протесты дирекции музея во внимание не принимались.

Известно, что «Афина» Рембрандта была отправлена в Париж через берлинскую таможню в своей эрмитажной золоченой раме.Теперь «Афина-Паллада» уже навсегда принадлежит Музею Галуста Гюльбенкяна

Вход в музей и территория парка фонда Галуста Гюльбенкяна

После смерти Гюльбенкяна фонд 5 лет занимался сбором многочисленных коллекций мультимиллионера, разбросанных по всему свету. Еще 5 лет ушло на систематизацию собранного материала. В октябре 1969 г. в Лиссабоне был построен культурный центр, включающий в себя Центр современного искусства, открытый театр на берегу живописного озера и музей, под крышей которого собрались наконец 6000 «детей»

В 2005 году картина «навещала» Россию и свой Эрмитаж, но увы не надолго.

мифы, картинки и фото Афины

Афина Паллада, известная в греческой мифологии как богиня стратегии войны и мудрости, появилась на свет очень необычным образом. В одном из мифов сказано, что Афина предстала перед олимпийскими богами после того, как Гефест своим молотом расколол по просьбе Зевса череп громовержцу, откуда и появилась в полном обмундировании мудрая богиня.

Древние греки почитали Афину как изобретательницу военной стратегии, «воительницу-девственницу», всегда появлявшуюся в сопровождении крылатой богини Ники.

Густав Климт (1862-1918)

Густав Климт — австрийский художник,родился в венском предместье Баумгартен в семье художника-гравера ювелира Эрнеста Климта.Мать Климта,Анна Климт,пыталась стать музыкантом,но так и не смогла.

В семье было семеро детей — три сына и четыре дочки.Гюстав был вторым из семи детей.

Детство Гюстав Климт провел в бедности,так как экономическая ситуация в стране была тяжелой ,а его родители не имели постоянной работы.

Климт окончил венскую Школу декоративного искусства.Большие фрески, предназначенные для театров и написанные в очень натуралистическом стиле,были ранними работами Климта.Первые черты,ставшие основными в творчестве Гюстава Климта — склонность к орнаментализму и четкий силуэт,впервые стали появляться в росписях на сводах большой лестницы Музея истории искусств в Вене.

«Золотой период» творчества Климта является самым успешным для Климта.Название периода происходит от позолоты,которую художник использовал во многих работах.Тогда была созданна его самая известная работа «Поцелуй» В сочинении «Комментарий на несуществующий автопортрет» он утверждает: «Я никогда не писал автопортретов. Меня гораздо меньше интересую я сам в качестве предмета картины, чем другие люди, прежде всего женщины… Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днём с утра до ночи… Кто хочет что-нибудь обо мне знать… должен внимательно рассмотреть мои картины.»

Надежда I. 1903г.

Водяные змеи I (1904—1907гг.)

Золотые рыбки. (1901—1902гг.)

Водяные змеи II (1904—1907гг.)

Три возраста женщины. 1905г.

Надежда II (1907—08гг.)

Адам и Ева. 1917г.

Враждебные силы (деталь Фриза Бетховена)1902г.

Фриз Бетховена (деталь: враждебные силы),1902г.

Юдифь с головой Олоферна.1901г.

Смерть и Жизнь.(1908-16гг.)

Замок Каммер на озере Аттерзее.1912г.

Портрет Сони Книпс. 1898г.

Портрет Адель Блох-Бауер. 1907г.

Березовый лес,1903 г.

Крестьянский дом в Верхней Австрии. 1911г.

Дама в боа. 1909г.

Портрет баронессы Элизабет Бахофен Эхт

Портрет Герты Фельссвани, 1902г.

Портрет дамы (Портрет госпожи Хеуманн), 1894г.

Портрет Серены Ледерер, 1899г.

Портрет Марии Хеннеберг, (1901-1902гг.)

Портрет Эмилии Флоге, 1902г.

Портрет Фризы Лидер, 1906г.

Портрет Эмилии Галли, (1903-1904гг.)

Портрет Мэды Примавези, 1912г.

Портрет Евгении Примавези, (1913-1914гг.)

Портрет Иоганны Штауде (незакончен), (1917-1918гг.)

Портрет Фредерики-Марии Биер, 1916г.

Портрет Амалии Цуккуркаиди (незакончен), (1917-1918гг.)

Портрет дамы (незакончен), (1917-1918гг.)

Портрет дамы, (1917-1918гг.)

Дама в черной шляпе, 1910г.

Дама в мехах хорька (картина незакончена), (1916-1918гг.)

Смерть и жизнь (незаконченна), 1916г.

Тоска по счастью

Этот поцелуй всему миру

Этот поцелуй всему миру(хор ангелов)

Аллегория скульптуры, 1897 г.

Картина «Поцелуй» Густава Климта: история создания и описание

Работы Густава Климта признаны во всем мире, однако наибольшей популярностью пользуется картина «Поцелуй». Ее не без оснований называют одним из самых лучших творений мастера. Ода красоте, чистоте и любви во всей ее безграничности.

О мастере

Родился Густав Климт на территории Австрии, в середине XXI века. 14 июля 1862 года — благословенный день для австрийской живописи, ведь именно благодаря художнику в ней появился, развился и получил признание модерн. В работах своих он воспевал красоту женского тела в первую очередь, поэтому немалой части его работ присущ откровенный эротизм.

Отцом Климта был художник-гравер, что если и не определило его дальнейшую судьбу, то, по крайней мере, подтолкнуло на верный путь.

Он получил соответствующее образование в Школе декоративного искусства, что расположена в Вене.

Жизнь была милостива к художнику, он познал славу и почет еще при жизни, став профессором Академии искусств своей родины.

Густава Климта не стало 6 февраля 1918 года.

Этапы развития

Ранние работы, «профессиональные пробы кисти», по большей части состояли из фресок, что украшали публичные заведения – например, театры. Все картины были выполнены в стиле «натурализм».

Первые проявления индивидуальности, что в полной мере показала картина «Поцелуй», можно наблюдать в оформлении Музея истории искусств.

Именно там Климт в 1891 году оформил свод лестницы, изобразив аллегорические фигуры, которые показали любовь художника к четким, выверенным силуэтам и орнаментализму.

Однако с течением времени принцип построения работ меняется – к концу XIX века они приобретают больше символизма и декоративных элементов.

Густав Климт – без преувеличения средоточие австрийского авангарда на рубеже веков. Он принимал активное участие в деятельности сообщества «Сецессион», которое было основано новаторами в области живописи.

Наиболее весомые работы Климта (и известная картина «Поцелуй» в том числе) относятся к позднему периоду творчества – именно на этом этапе все портреты отличаются удивительной прозрачностью, тонким эффектом «мозаики» и сложносочиненными образами, которые меняют характер даже в зависимости от смены угла обзора. Работы художника наглядно показывают единство и борьбу противоположностей, что воспеты философами. С одной стороны, Густав рвется к свободе в процессе изображения предметов. Эта жажда ломает каноны, заставляет воспринимать написанные объекты с точки зрения символизма, так как Климт старается донести до зрителя всю переменчивость и непостижимость мира, которые выше ощущаемой нами реальности и времени. С другой – поклоняется тому, что есть и сейчас, воспевает природу во всей ее естественности, сглаживая орнаментальность.

Венец творения

Наибольшую славу среди ценителей как модерна, так и искусства в целом сыскала картина Г. Климта «Поцелуй».

Стоит отметить, что эта работа относится к «золотой эре» художника – именно тогда появилось его увлечение декоративным оформлением работ, выраженное в обилии позолоты.

Однако работы Климта таковы, что золото не кажется вульгарным и не навевает мыслей о толстощеких херувимах. Цвет в данном случае исполняет роль катализатора, который усиливает общий эффект, производимый картиной.

Автор картины «Поцелуй» трудился над нею в течение года, заняв полностью творческий промежуток между 1907 и 1908 годами.

История создания

Согласно общепринятому мнению, история возникновения картины следующая. Граф, чье имя не дошло до нас, заказал художнику картину в подарок для своей невесты. Основное условие заказчика заключалось в том, что граф с невестой должны были быть изображены слившимися в страстном поцелуе.

Как выполнил художник заказ, всем известно, однако аристократ, стремящийся произвести впечатление на свою возлюбленную, был доволен. Тем не менее его интересовал один вопрос.

По какой причине губы героев картины так и не коснулись друг друга? Климт на это ответил, что «таков был план», он стремился выразить в полной мере любовное томление и желание, что предшествуют поцелую.

Ответ удовлетворил заказчика, и он подарил картину своей возлюбленной. Девушку так впечатлила работа, что она немедля приняла предложение руки и сердца.

Через некоторое время, когда уже приобрела известность картина «Поцелуй» Климта, история была дополнена самим автором. Оказывается, в процессе написания Густав сам почувствовал влечение к девушке. И из чувства ревности так и не позволил губам графа прикоснуться к ее губам.

Описание внешнее

Композиция картины достаточно проста – она не перегружена ни обилием действующих лиц, ни сложностью общей обстановки. В этом весь Климт – полная искренность и описание лишь того, что ему действительно интересно.

Цветочная поляна, расположенная на скале. Влюбленная пара на этой поляне, отрешенная от всего мира, погруженная исключительно друг в друга и общее чувство.

Золотая аура, общая отстраненность картины, не привязанная ни к месту, ни к эпохе. Благодаря этому создается впечатление масштабности действия и его неподвластности жестокому времени.

Никакой истории, никаких бед человеческих и природных – ничего. Картина «Поцелуй» (фото) демонстрирует зрителю просто влюбленных.

Общий смысл

Как уже было сказано ранее, это полотно было написано в период «золотого века» Климта, когда он большое значение придавал декоративному выражению своих задумок. По большому счету, на тот момент немалую роль в популярности работ художника сыграла его любовь к сусальному золоту.

Этот цвет во все времена оказывал влияние на зрителей, которое можно назвать магическим – он притягивал, очаровывал, придавал вес и внушал ощущение торжественности, которое пробирало до костей.

Неудивительно, что именно золото играло первую скрипку в процессе оформления религиозных сооружений, не так ли?

Конечно, никто наверняка не сможет теперь сказать, что именно имел в виду в процессе написания своей работы Густав Климт. Описание картины «Поцелуй» любым, кто ее видел, носит субъективный характер. Однако практически все выказывают одни и те же чувства.

Ослепительное сияние, исходящее от «Поцелуя», в полной мере передает смысл картины. Глубина изображения сокращена до минимума – никаких переходов, полное ощущение двумерной плоскости. Благодаря этому ходу пространство полотна кажется практически безграничным.

Да и позы мужчины и женщины красноречивы донельзя – он отвернулся от зрителя, полностью обратив свое внимание на возлюбленную, изолировав себя от всего внешнего. Он и она заняты только собой.

Влияние цветов и орнаментов

Большая часть критиков говорила о том, что картина «Поцелуй» является союзом во всей его масштабности, но при этом делает акцент на одеяниях героев.

Однако если присмотреться, то можно заметить контраст в одежде – мужчине присущи жесткие, четкие формы, поля в тонах серого, черного и белого, тогда как у женщины наблюдаются нежные округлые изгибы, выделенные пестрой палитрой.

В связи с тем что их объединяет общий золотой ореол, этим различием в образах пренебрегают, тем более что оно сглаживается из-за общего мозаичного орнамента картины.

Эротическая подоплека

Примечательно то, что источником ореола, его костяком, является мужчина. Именно он окружает женщину, прижимаясь к ней губами. Этим приемом воспользовался не случайно Густав Климт.

«Поцелуй» — картина, которая звучит как торжество природы, основанное на силе мужчины и податливости женщины. Именно мужчина определяет общую энергетику полотна – мощную и величественную, но при этом нежную, любящую.

Контур его не случайно схож с колоколом, мужским естеством — он лишний раз подчеркивает некий истинный, «животный» подтекст отношений, в которых нет места социальности, борьбе за права и прочим элементам жизни тех лет, пытавшимся смыть границу между полами.

Будучи противоположностью возлюбленному, женщина изображена стоящей на коленях, примкнувшей к нему, всей своей позой демонстрируя покорность и ведомость.

Поцелуем единым?

К сожалению, многие только по одной работе оценивают талант такого художника, как Густав Климт. «Поцелуй» — картина гениальная в своей искренности и ослепительности, но его творчество ею не ограничивается. Восполняя эту несправедливость, мы осветим некоторые работы художника, которые заслуживают не менее пристального внимания.

Афина Паллада

Как ни странно, противовес «Поцелую», но от этого не менее искренний. Картина эта была написана за пару лет до наступления XX века — именно в это время стали появляться первые возможности для женщины в проявлении себя как личности.

Даже больше — в то время допускалась мысль о господстве представительниц прекрасной половины человечества.Олицетворением этих веяний является богиня Афина Паллада — средоточие ума, мудрости и решительности.

Она уверена в себе, она не сомневается в победе, ей достаточно лишь протянуть руку.

Картина «Поцелуй» говорила об ином, не так ли? И тем не менее, в написании картины уже появляются элементы, которые станут козырем Климта в дальнейшем — переплетение тела и орнамента, герой картины и фон — одно целое. И только посмотрите в эти глаза! Вся нечеловеческая сила и мощь мира в их взгляде.

Золотая Адель

В этой картине, созданной по заказу промышленника, который решил сделать подарок своей жене, Климт развернулся во всю свою мощь. Она представляет собой органичный тандем реализма и абстракции.

Переплетение микенских спиралей и египетских глаз добавляет экзотику и скрытый эротизм в работу не просто так. Вновь повторяется пройденный сценарий с влюбленностью, основ
ное отличие лишь в том, что на сей раз получил взаимное чувство художник.

Картина «Поцелуй» изображала зенит любви пары, в «Золотой Адели» же Климт изобразил увядание привязанности, которое не сказалось на красоте, силе и сиянии женщины.

Ее звали Адель Блох Бауэр. Она была замужем за человеком, который был намного старше ее, страдала от головных болей и имела острую привязанность к табаку. Климта нанял ее муж, дабы написать портрет любимой жены. Встреча их состоялась в 1904 году, тогда же началась работа над картиной. И роман между мастером и моделью.

Господин Блох Бауэр заметил отношения Густава и Адели, но не стал устраивать скандал. Он поступил иначе — сделал так, чтобы в бесконечном стремлении к идеальному портрету пара проводила как можно больше времени вместе. План удался — чувство угасло, влюбленные надоели друг другу. Тайные отношения закончились сразу же, как была дописана «Золотая Адель».

Список картин Густава Климта и их описания с названиями

Густав Климт (1862 – 1918) считался одним из самых противоречивых, но также популярнейших и одаренных художников рубежа XIX – XX веков.

В его творчестве главной темой почти всегда были женские фигуры, которые нередко символизировали человеческие чувства и состояния, такие как надежда, любовь, смерть и другие.

Картины Густава Климта продолжают завораживать и наших современников неоднозначным содержанием и эротической харизмой созданных им женских образов. Сегодня работы этого основоположника австрийского модернизма относятся к категории самой дорогой живописи в мире.

Отражая основные этапы жизни художника, статья ознакомит с особенностями, историей картин Густава Климта и покажет, как его классическая манера постепенно преобразовывалась в совершенно индивидуальный стиль, ставший одним из главных источников последующих современных направлений.

Семья, образование раннее творчество

Он родился в Баумгартене, венском пригороде, в семье гравера Эрнста Климта. Его мать, несостоявшаяся пианистка, родила семерых детей, из которых Густав был вторым. Два его младших брата Эрнст и Георг также стали художниками. Многодетная семья всегда нуждалась в деньгах.

И когда в 1876 году Густав поступил в Kunstgewerbeschule, венскую школу прикладных искусств и ремесел, то предполагалось, что он изучит лишь профессию отца. Но юноша получил стипендию, что позволило ему выбрать специальность «архитектурная живопись» и продолжить обучение до 1883 года.

Его брат Эрнст поступил в ту же школу на год позже Густава, но изучал лишь специальность гравера.

Климт получил качественное консервативное образование, и его ранние работы соответствуют идеалам академизма. Среди картин 1879 – 1880 года сохранились его творческие исследования в стиле историзма. По технике и сюжетным мотивам эти работы демонстрируют тонкую детализацию и сходство с работами его соученика и коллеги Франца Матча.

К 1880 году Франц Матч, Густав и его брат Эрнст зарегистрировали сообщество художников Künstler-Compagnie с рабочей студией на Йозефштедтер-штрассе в Леманне. Компания начала получать заказы на оформление общественных зданий. Среди прочего группа разрабатывала занавесы и потолочные картины для театров в Райхенберге, Гермесвилле, Карлсбаде и Фиуме в 1885 году.

В новом здании венского «Бургтеатра» в 1886-1888 гг. друзья создали потолочные фрески и междуколонные картины, мозаичное панно. В 1891 – 1892 годах оформляли фресками Художественно-исторический музей Вены, и также замок Пелеш в Румынии.

После того как младший брат художника Георг Климт в 1888 году достиг совершеннолетия, Густав на год отправляется в творческое путешествие в Краков, Триест, Венецию и Мюнхен.

В 1888 году Климт императором Австрии награжден «Золотым орденом за заслуги». Так были отмечены фрески, написанные художником для венского «Бургтеатра». После этого Климт стал почетным членом Мюнхенского и Венского университетов.

Авторский стиль 1880 – 1990 годов

Монументальные работы Климта 1886 – 1891 годов для «Бургтеатра» и венского Художественно-исторического музея отражают присущее художнику на этом этапе античное направление и академический стиль.

В работах прослеживается аналогия с творчеством британского художника Лоуренса Алма-Тадема. «Аллегории и эмблемы» — одна из успешных фресковых серий Густава Климта, разработанная в тот период.

Все фрески, как и живопись того периода, тщательно детализирована и прорисована.

Из картин Густава Климта масляный холст «Сапфо» (1888-1890 гг.; 39 см × 31,6 см) можно привести как типичный пример сюжетов и техники раннего творческого этапа художника.

Изображение древнегреческой поэтессы на фоне природы и античной архитектуры отражает влияние прерафаэлитов и мечтательную литературную символику Моро.

Подобная композиция у Климта, построенная по консервативно-классическим канонам, присутствует в его монументальной живописи для «Бургтеатра».

Работы 1880 – 1990 годов

В этот период Климт больше занимался по своей непосредственной специальности, архитектурной живописи. Однако если компания Künstler-Compagnie была зарегистрирована по улице Йозефштадте 8, то Климт на той же улице снимал напротив театра садовый павильон для собственной студии, где написал немало работ. Из наиболее известных произведений произведений этого периода следует назвать:

  1. Потолочные картины для Венского университета.
  2. Мозаику Palais Stoclet в Брюсселе.
  3. Fable (1883).
  4. «Идиллии» (1884).
  5. Фрески в «Бургтеатре» Вены (1886 – 1888).
  6. «Аллегорию скульптуры» (1889).
  7. Портрет Джозефа Пембауэра, пианиста и учителя (1890).
  8. «Древняя Греция II» («Девочка из Танагры») (1890 – 1891).

1891 – 1900 годы, Венский Сецессион

В 1891 году Климт стал членом кооператива венских художников при Künstlerhaus, выставочном здании в центре Вены. В 1892 году в июле умер его отец, а через полгода в декабре погиб и брат Эрнст, после чего Густав принял на себя содержание матери и финансовую помощь семье брата.

24 мая 1897 года Климт ушел из Кюнстлерхауса и стал одним из основателей группы Венского Сецессиона, председателем которого был с 1897 по 1899 годы.

Группа состояла из венской молодежи, представляющей разные направления искусства. Объединение не декларировало свой манифест.

Его целью, в противоположность консерватизму Кюнстлерхауса, было создание выставок для молодых прогрессивных художников новых стилей.

Правительство поддержало усилия группы и предоставило аренду на общественных землях для возведения выставочного зала «Сецессиона». Его в 1897 – 1898 годах строил один из членов группы архитектор Йозеф Ольбрич. В 1898 году Сецессион организовал свою первую выставку.

Климт проектировал для здания металлические двери, а для периодического издания группы «Святая Весна» (Ver Sacrum) с 1898 по 1903 годы поставлял множество иллюстраций и шаблонов.

Группа стала основой, на базе которой развился вариант немецкого модерна югендштиля, названного в Австрии венским Сецессионом. Символом группы была Афина Паллада — греческая богиня справедливости, мудрости, искусства.

Радикальную версию ее образа можно увидеть в картинах Густава Климта, написанных в 1898 году. Художник оставался членом Сецессиона до 1908 года.

Творчество 1891 – 1900 годов

С этого периода появляется серия женских портретов: «Молодая женщина в кресле», «Женский портрет», «Девушка у камина», «Девушка в кресле», «Портрет Сони Книпс» и другие. Одни из них прорисованы с фотографической тщательностью, другие больше напоминают манеру импрессионистов. В это же время у художника вырабатывается свой характерный стиль.

Золотой фон присутствовать в нескольких картинах художника. Густав Климт начинает впервые использовать его с середины 1890-х годов.

Мастер был увлечен японским изобразительным искусством, и его работы напоминают творчество Огата Корина, живописца XVII века.

С того времени применение тонкого покрытия драгоценным металлом становится характерным для произведений Климта, особенно в его «Золотой период».

Начало работы «Венского сецессиона» представляет время модерна и, вероятно, является поворотной фазой в творчестве Климта. На его работы тех лет явно повлияли такие признанные художники, как Франц фон Штук и Ян Тороп.

Например, изображение в картинах Густава Климта женских волос напоминает живопись Торопа. «Джудит I», написанная Климтом в 1901 году, кажется, вдохновлена «Грехом» Франца фон Штука.

Положение двух тел в «Водных змеях» Климта соответствует примерно тому, что было у Эдварда Берн-Джонса в 1887 году на картине «Глубины моря».

В конце XIX века появляется, ставший в итоге характерным для творчества Климта, образ женщины, символизирующей «обнаженную истину» (Nuda Veritas). Первое изображение Nuda Veritas Климта было иллюстрацией к мартовскому номеру журнала Ver sacrum. И прототипом для нее, вероятно, послужила собственная «Изида» художника из «Египетских изображений» (Zwickelbild Egypt) 1891 года.

Климт всегда чрезвычайно много работал, постоянно пропадая в мастерской, и его творчество считается одним из самых продуктивных. Вот некоторые наиболее известные картины по номерам Густава Климта написанные в течение десятилетия:

  1. 1895 — 1896 год: «Портрет леди» , «Музыка I», «Любовь», «Скульптура».
  2. 1897 – 1898 год: «Трагедия», «Музыка II», «Афина Паллада», «Текущая вода», «Портрет Сони Книпс», «Кровь рыб».
  3. 1899 год: «Шуберт у фортепиано»; «После дождя», «Нимфы. Серебряные рыбы», «Русалки», «Nuda Veritas», «Портрет Серены Ледерер».
  4. 1899 – 1907 год: «Философия».

В 1894 году австрийское министерство образования Климту поручило исполнить три крупномасштабных полотна для украшения потолка в зале факультета живописи Венского университета. До 1990 года не все картины были готовы.

Первую же работу — «Философия» — университетские профессора подвергли беспощадной критике. При этом «Философия», выставленная Климтом на парижской выставке 1990 года, удостоилась золотой медали.

Художник изобразил обнаженную женскую натуру в аллегорической форме, однако все его работы подобного плана обладают невероятной силой эротизма.

После скандала австрийская общественность еще в меньшей степени была готова к компромиссному восприятию написанных в 1991 году картин Густава Климта с названиями «Медицина» и «Юриспруденция». Признанные порнографическими изображениями, эти работы были жестоко отвергнуты университетскими, политическими, религиозными и культурными кругами.

Все три полотна художник выставлял в «Сецессионе», и относительно их содержания у Климта с Францем Матчем произошли серьезные разногласия. «Теология» Матча была принята преподавательской комиссией и все еще находится в Венском университете.

Журналист Карл Краус в журнале The Torch, защищая университетский отказ от «Философии» Климта, пренебрежительно отметил, что Париж, который импортирует искусство в стиле «goût Juif» (еврейский вкус), безусловно, одобрил бы полотна для храма науки, такого как университет.

После скандала Климт больше не принимал государственные заказы, посвятив себя портретной и пейзажной живописи.

«Медицина»

Все полотна приобрел за 30 000 крон австрийский промышленник Август Ледерер, коллекционер и меценат. Однако работы сгорели в 1945 году во время отступления немецких войск в Нижней Австрии. От проекта осталось несколько отдельных набросков и плохого качества черно-белые снимки.

Фото картины Густава Климта «Медицина» отражает лишь часть монументальной работы. На нем изображена Гигея, которая находилась в нижней центральной части полотна.

Изображение сохранилось благодаря тому, что входило в подборку работ 300 экземпляров художественных альбомов, изданных в 1914 году под личным контролем Климта. Для издания были сфотографированы лучшие произведения художника за период 1893 – 1913 годов.

В тридцати первых экземплярах самые важные литографии вышли цветными. Среди этих изображений сохранился и фрагмент «Медицины», который дает представление о красочной яркости всего произведения.

Творческая фаза, принесшая художнику славу, достаток и наибольшее количество частных заказов, продлилась до начала 1910 годов.

Используя сусальное золото для фона еще с середины 1890 годов, Климт увлекся удивительными возможностями этого материала.

Никакие репродукции картин Густава Климта не передадут все великолепие золотых волос его «Водяных змей», сверкающих украшений и прозрачных складок одежд I и II «Юдифи», драгоценного дождя «Данаи».

Тончайший золотой лист, в отличие от грунта, лака и краски, устойчив к истиранию. Такая подложка создает особый эффект, просвечивая сквозь легкий слой краски. Покрыв золотой фон прозрачным или слегка подцвеченным лаком, можно различными способами получить впечатление многообразных фактур.

Краску, нанесенную по золоту, можно процарапать, стереть, уже высохшей или сырой, частично убрать растворителем, получив при этом интереснейшие эффекты. Нанося драгоценный металл на красочный слой, можно достичь совершенно иных визуальных результатов.

Художник надолго увлекся декоративными свойствами золота (иногда листового серебра) и создал множество захватывающих произведений. Невозможно перечислить созданные за этот период все работы по номерам Густава Климта.

Картина «Поцелуй», «Адель Блох-Бауэр», «Золотые рыбки», оба полотна «Юдифь», «Даная», «Водяные змеи» считаются самыми впечатляющими.

Эта картина 1907 – 1908 годов является не только самой знаменитой, но также знаковой для творчества Климта в такой же степени, что и «Джоконда» для да Винчи. Вся композиция, цветовое и техническое решение создают впечатление, что это полотно — икона пламенной и нежной любви.

Картину «Поцелуй» Густав Климт изобразил на идеальном квадрате холста размером 180 на 180 см. Сплетенные в объятиях мужчина и женина нарисованы у края обрыва, покрытого пестрыми цветами.

Их тела почти полностью покрыты одеждами и заключены в подобие золотого ореола, что еще больше напоминает об иконах. Лицо мужской фигуры скрыто, но возникает соблазн увидеть «Поцелуй» как автобиографическое произведение, в котором художник изобразил себя.

Кто мог оказаться в таком случае прототипом женской фигуры? Эту загадку решают искусствоведы много лет. Оставив недосказанность и некую двусмысленность в изображенных личностях, художник тем самым повышает привлекательность произведения.

В картине «Поцелуй» Густав Климт воплощает не просто субъективное или ситуационное значение, а универсальное, вневременное видение романтической любви.

Произведение было представлено художником на венской выставке Кунстшау в 1908 году. Его сразу приобрело Министерство культуры и образования Австрии. Хранится полотно в галерее Бельведер на родине художника.

«Золотой период» Климта отмечен наибольшим количеством выставок художника по всей Европе, что свидетельствует о его значимости на арт-сцене того времени.

  1. В 1905 году Климт выставил пятнадцать работ в недавно открывшемся берлинском Сецессионе на ежегодной выставке Deutscher Künstlerbund и получил премию Villa Romana.
  2. В 1906 году художник отправился в Бельгию и Англию, а к концу года был назначен почетным членом Королевской баварской академии изящных искусств в Мюнхене.
  3. В 1908 году он выставлялся во Флоренции, затем в Праге и Дрездене.
  4. В 1909 году отправился в Мюнхен, Париж, Мадрид и Толедо.
  5. В 1910 году на IX Венецианском биеннале его работы были приняты с небывалым энтузиазмом.
  6. 1911 год — выставка в Риме (первая премия за картину «Смерть и жизнь»)
  7. 1912 год — снова Дрезден.
  8. 1913 год — Будапешт, Мюнхен и Мангейм
  9. В 1914 году Климт выставляется с австрийской ассоциацией художников в Риме и посещает Брюссель.
  10. В 1916 году совместно с Шиле и Кокошкой участвует в Федеральной выставке Берлина.
  11. В 1912 году Климт стал президентом Федерации австрийских художников.

С 1900 по 1916 год Климт пребывал в основном на вилле летнего курорта на озере Аттерзее в Верхней Австрии. Здесь написано большинство его многочисленных пейзажей. Часть из них, чтобы охватить больший ракурс, написана с очень дальнего расстояния.

И Климт в этих случаях пользовался своим телескопом, разглядывая нюансы цвета и теней среди выбранных деталей ландшафта. Его пейзажи очень объемные, великолепно создают впечатление пространства и воздушной среды. В начале 1910 годов совсем исчезает золото и орнаментальные мотивы в его работах.

Цвет становится главным инструментом художника для передачи идей и чувств.

Картины сегодня

Климт всегда, на каждом творческом этапе, был востребованным художником и никогда не знал недостатка в состоятельных заказчиках. Многие его работы были куплены для музеев, но большинство приобреталось для частных коллекций.

В 2006 году пять картин, принадлежащих наследникам Бернхарда Альтмана, были выставлены в Нью-Йорке на аукционе Christie’s и проданы по ошеломляющей стоимости:

  1. Первый портрет Адели Блох-Бауэр , известный как «Золотая Адель», или картина «Женщина в золотом», Густавом Климтом написана в 1907 году. Полотно приобретено за 135 миллионов долларов Рональдом Лаудером для нью-йоркской Новой галереи. В то время это была наиболее высокая цена за картину, сейчас в списке самой дорогой живописи произведение занимает восьмой пункт.
  2. Второй портрет Adele Bloch-Bauer, написанный в 1912, куплен участником торгов за 87,936 млн долларов. На тот момент это была пятая по размеру стоимость за картину в мире.
  3. Bauerngarten (Blumengarten) 1903 года, ушла с аукциона за 33 056 млн. долларов.
  4. Apfelbaum I (1912) продана за 40,336 млн долларов.
  5. Пейзаж «Дома в Унтерах-ам-Аттерзее», написанный около 1916 года, куплен за 31,376 млн долларов.

Климт является одним из важнейших художников периода Арт Нуво в Австрии, а также занимает лидирующие позиции в международном масштабе.

Тем не менее его работы были частично проигнорированы немецкоязычной художественной критикой первой половины XX века или приняты как чистая декоративная живопись. Только позже его статическая символика и орнаментальная абстракция стали признанной тенденцией в развитии современной живописи.

Кроме того, Климт продвигал молодых художников, таких как Эгон Шиле или Оскар Кокошка, таким образом внося еще один важный вклад в прогресс современного искусства.

Картины богини Афины

Картины богине Афине посвящали художники разных эпох и стран. Есть и современные творцы, и живописцы прошлых эпох. Они воссоздавали разные образы Афины, дочери Зевса, но во всех ощущается величие Афины.

  1. Музеи Москвы
  2. Музеи России
  3. Картинные галереи и музеи Греции и Италии
  4. Лувр
  5. Версальский дворец
  6. Музей изящных искусств в Руане
  7. Германия и Австрия
  8. Другие города Европы
  9. Американские собрания
  10. Картины Акрополя и Афины
  11. Противостояние Афины и Марса
  12. Полотна, посвящённые Афине как повелительнице искусств
  13. Другие картины богини
  14. Различные рисунки и арты с богиней Афиной

Музеи Москвы

Больше всего предметов искусства с дочерью Зевса в Москве можно найти, пожалуй, в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. В первую очередь это изображение богини Афины П. Веронезе, написанная примерно в 1560 г.

Изображение богини Афины П. Веронезе, написанная примерно в 1560 г

Третьяковская галерея. Парфенон, главный храм Афины. Художник – В.Д. Поленов. 1881-1882 гг.

Картина, Третьяковская галерея. Парфенон, главный храм Афины. Художник – В.Д. Поленов. 1881-1882 гг.

Музеи России

Первое место после Москвы, где стоит искать картины богини Афины – это, конечно же, Санкт-Петербург. В Государственном Эрмитаже собраны сотни полотен, воскрешающих сцены с участием Афины и героев.

Первый из самых популярных сюжетов – Троянская война. Афина, как и многие другие боги, принимала в ней активное участие. Именно она ранила Ареса и Афродиту, помогала грекам. Противостояние Афины и Ареса изображено на многих картинах. Хотя они были богами войны, а также братом и сестрой, Арес (или Марс в греческой мифологии) воплощал кровавую войну без цели, а Афина – справедливую, ради восстановления мира.

Героям, дерзнувшим выступить против Ареса, Афина тоже оказывала свою поддержку. Такой помощи удостоился Геракл. По мотивам этого мифа художник Виктор Вольфут Младший создал своё полотно «Геркулес и Афина, изгоняющие Марса». Это изображение богини Афины – живописная разработка рисунка П. П. Рубенса. Когда работа только поступила в Эрмитаж в 1946 г., ей даже приписали авторство самого Рубенса, но, спустя более чем 20 лет, по некоторым особенностям (в частности, цветам) специалисты смогли определить, кто создатель картины богини Афины.

Картина Виктор Вольфут Младший «Геркулес и Афина, изгоняющие Марса»

Якопо Амигони. Петр I с Минервой. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Картина Якопо Амигони. Петр I с Минервой. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге хранит две интересные картины богине Афине с историческими личностями в образе Афины.

Императрица Екатерина II в облике Минервы. Стефано Торелли, 1770 г.

Картина, изображение Императрица Екатерина II в облике Минервы. Стефано Торелли, 1770 г.

Портрет княгини З.А. Волконской в образе Афины. Ф.А. Бруни.

Портрет княгини З.А. Волконской в образе Афины. Ф.А. Бруни.

Картинные галереи и музеи Греции и Италии

Галерея Уффици во Флоренции, Италия – одна из старейших музеев Европы. Там можно найти картину Афины Сандро Боттичелли, одного из самых известных и значимых художников эпохи Возрождения. В 1483 году это полотно заказал у него не менее известный деятель искусства, глава Флорентийской Республики в эпоху Возрождения Лоренцо Медичи. Изображение богини Афины должно было быть принесено в дар его племяннику по случаю свадьбы.

Полотно – это изображение Афины Паллады с кентавром. Именно Афина здесь – центральный персонаж. Кентавр, который будто олицетворяет животную силу, обычно неподконтрольную, преклоняется перед мудростью Афины, дочери Зевса, показывает свою слабость.

Изображение Афины Паллады с кентавром

В галерее Уффици Афина представлена на ещё одной весьма интересной по истории и композиции картине. Это «Кузница Гефеста» Джорджо Вазари. Этот итальянский живописец не только подарил миру множество шедевров, но также положил начало современной науке искусствознания.

Первое, что обращает на себя внимание – это композиция картины богини Афины. Она будто имеет в себе несколько слоёв, каждый из которых увлекает зрителя всё глубже в разыгрывающуюся перед ним сцену. В результате создаётся мощный эффект объёма, а рассматривать полотно и подмечать новые детали можно очень долго.

Изображение богини Афины очень живое, динамичное. Каждый на ней занят своим делом. Гефест как раз выковывает щит с изображением на нём, но тут его отвлекает сама Афина, показывая, очевидно, эскиз для нового доспеха. Помощники кузнеца тем временем подносят шлем Афины – очевидно, что это уже не первое посещение Афины, дочери Зевса.

На заднем фоне картины также не прекращается работа. Многочисленные кузнецы куют все новые и новые доспехи и другие предметы. И они, и главные действующие лица обнажены, а сами фигуры застыли в изогнутых позах. Это особенность присуща маньеризму, течению, к которому принадлежал Вазари. Его не раз критиковали за неправильную анатомию, но в итоге это стало характерной особенностью творчество.

Что интересно, Вазари поместил на картину и себя – в образе Гефеста, сидящего обнажённым у щита. У молота с наковальней можно также найти Бенвенуто Челлини – современника Вазари, скульптора и художника.

В картине есть скрытые намёки на события, свидетелем которых был Вазари на тот момент. В 1564 г. судили покровителей художника, Козимо и Франческо из рода Медичи. Именно поэтому для щита художник выбрал Овна и Козерога. Овен был знаком зодиака Франческо I, а Козерог — Козимо I. В отличие от многих картин, которые часто перевозили с места на место, эта обрела свой дом в галере Уффици довольно быстро – в 1589 г.

Картина Гефест, сидящего обнажённым у щита

На территории Рима можно найти галерею Боргезе, коллекцию в которой собрали члены княжеского семейства Боргезе. На территории их виллы она и расположена. Среди множества полотен – «Одевающаяся Минерва» Лавинии Фонтаны, талантливой художницы болонской школы и первой женщины, которая была избрана в римскую Академию.

Её изображение богини Афины наполнено нежностью и расслабленностью. Здесь дочь Зевса всё же предстаёт в своей более женственной ипостаси, чем обычно. Но всё же видно, что этот отдых – ненадолго. Дочь Зевса уже облачается в привычный наряд, доспехи Афины, щит и копьё вот-вот займут своё место, а богиня, очевидно, готова снова ринуться в бой. Изображение богини Афины преисполнено торжественности благодаря богатому интерьеру в золотых и багровых тонах, что также хорошо оттеняют белизну кожи Афины и подчёркивают уверенную, статную фигуру.

Картина Одевающаяся Минерва

Франция известная своими картинными галереями и музеями. Дворцы и другие достопримечательности хранят в себе множество полотен, в том числе с мифологическими темами, которые привлекали художников разных эпох и стилей. При упоминании Франции сразу приходит на ум известнейший музей Лувр, и это не зря.

Афина по праву считалась одной из сильнейших богинь. Дочери Зевса были доступна сила и храбрость, которая позволяла побеждать даже других богов – например, во время Троянской войны. Даже сам бог войны Арес (Марс в греческой мифологии) не смог противостоять силе Афины.

Именно эту мощь Афины как дочери Зевса показывает на своей картине французский живописец Давид Жак Луи. Арес уже повержен Миневрой-Афиной, к нему спешит на помощь Афродита, богиня любви и жена Ареса. Но бой уже завершён, и Афина празднует победу. Картины этого художника – дань античной гражданственности, которую он принял за образец. Поэтому на полотнах всегда чётко соблюдается композиция и ритм.

Давид Жак Луи. Арес уже повержен Миневрой-Афиной

А вот изображение богини Афины Жака де Стелла, французского исторического живописца, написанное между 1640 и 1645 годами, показывает дочь Зевса совсем с другой стороны. Теперь это не воительница, но богиня, покровительствующая искусствам. По легендам, Афина передала эти знания людям, а после вдохновляла и направляла мастеров. На полотне Жака де Стелла дочь Зевса беседует с музами, богинями, ещё более тесно связанными с различного рода искусствами. Это очень мирная сцена, пронизанная спокойствием и отдыхом Афины в тени деревьев.

На полотне Жака де Стелла дочь Зевса беседует с музами, богинями, ещё более тесно связанными с различного рода искусствами.

Ещё одно изображение богини Афины было написано Фра Бартоломео, флорентийским художником, в 1490 году. Она немало отличается от обычной античной Афины. В первую очередь на облик Афины наложило отпечаток то, что изображения женщин, в том числе картины богине Афине, в то время стали писать с обычных городских и деревенских женщин, а значит, и образы героев воссоздают обычную жительницу тех времён – немного сутулую, бледную, с отпечатком усталости на лице. Афина не выглядит воинственной дочерью Зевса, хотя и облачена в доспехи.

В образе Афины есть ещё несколько интересных деталей. В первую очередь это необычный шлем – не с гребнем, как часто бывает у античных скульптур, и не с изображениями сфинксов или пегасов. Здесь его украшает сова с распростёртыми крыльями – известный символ Афины. Ноги Афины прикрыты прозрачной юбкой, прозрачен также и щит Афины – он словно сделан из стекла, и пусть привычная голова Горгоны на месте, кажется, защитить щит от врагов не сможет, он больше украшение.

Афина

Гро Антуан, 1827 г. Аллегория мудрости, истины и времени в сопровождении Афины.

Гро Антуан, 1827 г. Аллегория мудрости, истины и времени в сопровождении Афины.

Версальский дворец

Версальский дворец, бывшая резиденция королей Франции в одноименном городе Версале, а сейчас одно из прекраснейших туристических мест страны, в своём музее тоже содержит немало мифологических картин.

Миф о рождении Афины из головы Зевса, ранее часто изображавшийся на вазах и сосудах древними греками, нашёл своё воплощение в работе Рене-Антуана Уасса, французского живописца эпохи рококо.

По легенде, Зевс проглотил свою первую жену Метиду, беременную Афиной, чтобы в будущем ещё один ребёнок, сын Метиды, не сверг Зевса. Однако рождению Афины это не помешало. Из головы Зевса, облачённая в сияющие доспехи, она появилась, сразу же готовая к бою.

Именно этот момент рождения Афины и изобразил живописец. Зевс, утомлённый болью, лежит рядом со своим сыном Гефестом, богом кузнечного ремесла. Чтобы облегчить боль Зевса, Гефест только что ударил его по голове топором, отчего Афина и смогла выйти из тела Зевса. Остальные боги встречают явление Афины восхищением и удивлением.

Момент рождения Афины и изобразил живописец. Зевс, утомлённый болью, лежит рядом со своим сыном Гефестом

Другое изображение богини Афины, также принадлежащее кисти Рене-Антуана Уасса, посвящено уже легенде о владычестве над Аттикой и наименовании Афин. Она была написана в 1689-1706 гг. Когда пришло время решать, кто же будет покровителем этих земель, в спор вступили Афина и Посейдон, оба в равной степени достойные и могущественные.

На картине изображено, как Посейдон, соревнуясь с дочерью Зевса, ударил трезубцем в землю, и из трещины появился прекрасный конь. Афина же в свою очередь воткнула в почву копьё, проросшее пышной маслиной. Остальные боги под предводительском Зевса всё это время наблюдают за поединком, решая, какой из даров будет полезнее Аттике. Решение было принято в пользу Афины, ведь оливковое дерево относится к вечноцветущим и приносит богатые плоды для достойных.

Изображение богини Афины, также принадлежащее кисти Рене-Антуана Уасса, посвящено уже легенде о владычестве над Аттикой и наименовании Афин

Третья работа художника Рене-Антуана Уасса из представленных в Версале посвящена образу Афины как покровительнице и учительнице искусств. Обучившись ремёслам и различным видам искусства, она передала эти знания и людям. Среди занятий были как и вполне женские вроде ткачества, так и более мужские – изготовление скульптур. Считалось, что дочь Зевса даже сама вырезала статую Афины.

На полотне дочь Зевса отложила копьё и щит, которые обычно в любых сценах держит в руках, и взяла вместо них инструменты, чтобы показать людям, как работать со скульптурой. Дочь Зевса стала наставницей для мастеров.

Афина Дочь Зевса стала наставницей для мастеров.

На следующей картине Рене-Антуан Уасс снова возвращается к тематике Афины, которая не терпит соперничества. На этот раз изображается легенда об Арахне, искусной ткачихе, которая решила, что она может бросить вызов таланту самой Афины. Хоть её мастерство и вправду не уступало способностям Афины, Арахна выткала полотно, которое оскорбляло богов, и в результате была наказана. На полотне показано, как Афина в гневе готовится ударить девушку прялкой и превратить в паука.

Изображается легенда об Арахне, искусной ткачихе, которая решила, что она может бросить вызов таланту самой Афины

Музей изящных искусств в Руане

В этом музее, расположенном в Верхней Нормандии, Франция, хранится картина Жозефа Бенуа Сюве. В 1771 г. художник обратился к одной из известнейших сцен из мифологии – столкновение Афины и Ареса на поли брани во время Троянской войне. Богине удалось ранить другого сына Зевса, которого не спасло даже заступничество жены, богини любви Афродиты, и крылатого бога-мальчика Эроса.

Картина Жозефа Бенуа Сюве. В 1771 г. – столкновение Афины и Ареса на поли брани во время Троянской войне

Германия и Австрия

Интересный экспонат содержит Берлинская картинная галерея, расположенная в районе Тиргартен, Берлин. На ней не просто изображен один из мифов о дочери Зевса и её помощи героям, детям богов и людей, но и зашифрованы исторические события той эпохи.

На картине Кристиана Бернхарда Роде 1789 года изображено, как Афина вручает герою Персею зеркальный щит для убийства Медузы Горгоны. Согласно легенде, Персей был воспитан в храме дочери Зевса, а позже получил от неё оружие. Афина даже направляла руку героя, чтобы он не промахнулся, ведь возможности взглянуть на Медузу у него не было.

Однако в образе Персея художник изобразил реальную историческую личность – Фридриха II, короля Пруссии, также известного как Фридрих Великий. Сама же картина – это аллегория начала Семилетней войны, одной из крупнейших конфликтов Нового времени. Она охватила не только Европу, но и множество других территорий. А главное – война положила начало череде неудач в жизни Фридриха Великого, когда каждое столкновение оканчивалось поражением.

1024px-Rode_Friedrich_der_Große_als_Perseus

В Музее истории города Вены, расположенном в столице Австрии, хранится одно из самых необычных и сильны полотен с изображением Афины. Это «Афина Паллада» Густава Климта, представителя венского модерна, чьи работы до сих пор вызывают восхищение и споры.

История посвящения картины богине Афине началось в 1889 году с выставки в Вене. Её организовывали члены Венского сецессиона, объединения художников с прогрессивными взглядами, которые отделились от консервативных по их мнению художников, чьи таланты ставились в пример. Изначально это направление возникло в Германии, а затем оно завоевало и Австрию. Именно символом движения сецессиона и стала дочь Зевса Афина, которую Климт изобразил на своей картине.

Именно поэтому Афина отличается от других женских персонажей Климта – изящных красавец, не лишённых привлекательной сексуальности и при этом романтичности. Афина же, можно сказать, асексуальна. Она воинственна, властна, непокорна. Сами глаза Афины горят живым огнём, а пылающие золотом доспехи Афины дополняют образ. Не зря богиню на картине назвали «демоном сецессиона»она правда воплощала саму борьбу художников за их право творить без ограничений.

Густав Климт не зря выбрал именно образ Афины среди всех богинь-воительниц. Она правда несёт в себе многие мужские черты, такие как сильная воля и уверенность. К тому же, даже в легендах Афина часто превращается в мужчин и юношей, чтобы показаться смертным героям. Это ещё раз показывает, насколько сильна мужская часть Афины.

Бартоломеус Шпрангер, Аполлон, Афина и музы. Ок. 1600 г. Художественно-исторический музей, Вена, Австрия. Афина с одной из муз прогуливается сзади, над ней парит сова – вечный спутник Афины и аллегория мудрости. Справа также упражняется в музыке брат Афины – Аполлон.

Картина Бартоломеус Шпрангер, Аполлон, Афина и музы. Ок. 1600 г.

Картина Иоахима фон Зандрарта I в Музее истории искусства в Вене, Австрия, ещё раз обращает зрителей к образу Афины как защитницы, покровительницы наук и искусств, где она не потерпит несведущих обидчиков. Однако на этот раз Афина объединилась с другим богом – Сатурном или Кроносом, одним из древнейших божеств, сфера которого – крестьянство, земледелие, а также само время.

Искусство и наука изображены в виде совсем маленьких детей, что подчёркивает их невинность, чистоту, а также беззащитность перед людскими пороками. Позади них – зависть и ложь, которые и совершают нападение. Однако жуткие человеческие фигуры и рычащая собака не могут добраться до детей благодаря защите Афины и Кроноса.

Афина, Картина Иоахима фон Зандрарта I в Музее истории искусства в Вене

Другие города Европы

Питер Пауль Рубенс, великий фламандский художник, не раз обращался к образу Минервы-Афины. Но картина, написанная им в 1629-1630 гг. и сейчас хранящаяся в Лондонской национальной галерее, Англия, стала одной из самых выдающихся. В том числе благодаря тому, что сыграла немаловажную роль в истории.

Дело в том, что Рубенс обладал не только талантом художника, но также и даром дипломата. В 1629-1630 гг. он отправился на дипломатическую миссию, которую доверил ему Филипп IV Испанский, король Испании. Художник должен был приехать ко двору Карла I Английского и обеспечить подписание мирного договора между Испанией и Англией.

Для Рубенса как творческого и образованного человека имели огромное значение мир и процветание, среди которых могли бы создавать свои картины он и другие художники. Карл I в свою очередь тоже высоко ценил искусство и мастерство исполнения, а потому художник решил обратиться к королю не только словами, но также и через картину, своё детище.

Каждый элемент на полотне имеет свой смысл и подчёркивает, насколько мир дороже войны. Он передан через обнажённую фигуру молодой женщины, которая дарит свои плоды, результаты мирной жизни, богу богатства Плутосу, преумножая благосостояние. Дети на картине тоже обозначают хрупкость и значимость спокойствия, но именно в нём возможно существование столь чистых душ. И девочки, и мальчик были списаны с детей хозяина дома, где Рубенс на тот момент был гостем.

В какой-то мере главное действо разворачивается не на переднем плане, а на заднем. Там в вечном противостоянии схлестнулись Афина и её брат Арес. Образ Афины обозначает защиту мира, справедливости, ведь только такой войне она покровительствовала. Арес – символ бессмысленных войн, кровопролития. Здесь же Афина показана именно хранительницей процветания и спокойствия. Художник показывает – никакие столкновения не должны беспокоить жизнь с её благоденствием, которые символизирует обилие плодов и ярких красок.

Рубенс настолько мастерски воплотил свой замысел, что его посыл не мог не быть услышан. В 1630 году договор был подписан.

Рубенс настолько мастерски воплотил свой замысел, что его посыл не мог не быть услышан. В 1630 году договор был подписан.

Бартоломеус Шпрангер, фламандский художник. 1585. Картинная галерея, Прага, Чехия. Афина с Гермесом, фреска.

Бартоломеус Шпрангер, фламандский художник. 1585. Картинная галерея, Прага, Чехия. Афина с Гермесом, фреска.

В художественном музее Бойманса-ван Бёнингена (по именам людей, пожертвовавших в коллекцию музея экспонаты) в Роттердаме, Нидерланды, можно найти картину известного фламандского художника П. П. Рубенса. Он также обращался к тематике Троянской войны. Хотя Афина на полотне играет второстепенную роль, она также важный участник действа.

Картина изображает победу Ахиллеса над Гектором. Сначала греческий воин Ахиллес не хотел вступать в сражения, но, когда убили его друга Патрокла, он вызвал на поединок убийцу друга, троянца Гектора. Закованный в лучшие доспехи, выкованные самим богом Гефестом, Ахиллес сначала гнался за Гектором вокруг всей Трои, а затем убил, отомстив за Патрокла. Афина всё это время помогала ему, а на картине Рубенса она реет над сражающимися.

Картина изображает победу Ахиллеса над Гектором

Рейксмюзеум (Амстердам, Нидерланды) – один из двадцати самых посещаемых музеев мира. Среди его картин – полотно итальянского художника-маньериста Пеллегрино Тибальди. Несмотря на мирную, казалось бы, сцену, картина всё же весьма необычна.

Афина здесь изображена вместе с ещё одной богиней, Афродитой, покровительницей любви и страсти. Но часто в легендах и на картинах этих двух дев изображают в противостоянии. Самое известное их столкновение произошло во время осады Трои, там Афина смогла ранить и саму Афродиту, и её супруга, бога Ареса. Поэтому возможно, что мирная сцена, которой посвящено творение Тибальди, не будет длиться долго.

Картина Рейксмюзеум (Амстердам, Нидерланды). Афина здесь изображена вместе с ещё одной богиней, Афродитой

Ещё одна картина в Рейксмюзеум – это портрет Маргариты Трип в образе Минервы и ее сестры кисти Фердинанда Боля.

Ещё одна картина в Рейксмюзеум – это портрет Маргариты Трип в образе Минервы и ее сестры кисти Фердинанда Боля.

Картина Якоба Йорданса, фламандского художника и одного из главных творцов фламандского барроко, написанная в 1638 году и находящаяся теперь в Музее Прадо, Мадрид, Испания, обращается к легенде об основателе Фив, царе Кадме.

Картина показывает именно миф об основании Фив. Дельфийский Оракул подсказал будущему царю поставить Фивы там, где ляжет корова. Так Кадм дошёл до области Беотии в Центральной Греции. Но он не смог сразу основать город, так как то место, а точнее священный источник рядом, охранял огромный змей, священный дракон бога Ареса.

Прежде, чем Кадм смог убить дракона камнем, тот растерзал всех его спутников. Чтобы помочь царю снова обрести поддержку, Афина посоветовала ему посеять клыки дракона в землю. Из них, прямо из почвы, появилось множество воинов, тут же бросившихся друг на друга. В конце концов остались только пятеро самых сильных и достойных. Они и стали новыми спутниками царя, а также, по легенде, дали начало знатнейшим родам Фив.

Именно на это сражение и смотрит Кадм, изображённый на картине. У его ног лежит поверженный дракон, а Афина даёт указания будущему основателю Фив.

694789@2x

Американские собрания

Картинные галереи и музеи в США тоже не могут не привлекать внимание. Большие собрания и совсем маленькие частные коллекции – во всех найдётся своя жемчужина. Лейденская коллекция в Нью-Йорке – одна из таких.

Её основал Томас Капланамериканский предприниматель, коллекционер и большой любитель искусства. На создание собственной галереи Каплана вдохновила тёща – дочь иммигрантов. Дафна Реканати-Каплан, жена коллекционера, принимала активное участие в создании коллекции, подборе картин, организации выставок. Сейчас коллекция насчитывает около 250 разливных полотен.

Среди них – картины богини Афины Рембрандта Харменса ван Рейна, известнейшего художника из Голландии, представителя голландской живописи в момент её наивысшего расцвета. Он мастерски работал со светом и тенью, создавая реалистичные и живые сцены.

Картина с образом Афины, написанная в 1635 г., сильно отличается от иных изображений Минервы. Художник отошёл от классического образа богини Древней Греции, который так узнаваем на других полотнах. Здесь Рембрандт постарался свести воедино образ прекрасной женщины, вполне реальной, и богини, величественной и недосягаемой. У него это получилось в совершенстве.

Эта картина появилась в переходный для Рембрандта период. Во-первых, сама «Минерва» была последней и кульминационной работой в серии исторических картин, посвящённых римским богиням и прославленным женщинам прошлого. Также в год её создания художник наконец создал собственную мастерскую в Амстердаме.

Минерва, изображённая на полотне, величественно восседает за столом в наполненной светом комнате. За секунду до изображённой сцены она ещё читала огромный древний фолиант, но сейчас отвлеклась и смотрит куда-то за пределы картины богини Афины, вдаль, в неизвестность, задумчивая и при этом вдохновлённая. Она облачена роскошные одеяния, которые, тем не менее, почти не имеют отношения к Древней Греции, кроме традиционного лаврового венка, символа победы. Роскошные волосы свободно рассыпаны по плечам.

Рембрандт идеально показал на картине двойственную натуру Афины – это одновременно воительница, никогда не расстающаяся с оружием, но также и покровительница искусств, наук. Но всё же здесь она отвернулась от привычных шлема, копья и щита с головой Медузы Горгоны. Они расположены чуть в тени на заднем фоне. Лик же Афины обращён к наукам, просвещению.

Рембрандт идеально показал на картине двойственную натуру Афины

Метрополитен-Музей, Нью-Йорк. Брайтон Ривьер, Афина Паллада и пастушьи собаки. Брайтон Ривер известен своими разнообразными картинами, где главные герои – именно псы самых разных пород. Но обычно это картины повседневности, здесь же за работой помощников пастуха наблюдает сама Афина.

Метрополитен-Музей, Нью-Йорк. Брайтон Ривьер, Афина Паллада и пастушьи собаки

Картины Акрополя и Афины

Музейные коллекции часто содержат не только полотна с изображением Афины как богини. Часто на них воссоздаются её древние храмы и скульптуры. Художники трудятся над реконструкциями для исторических целей или же просто обращаются к образам древности.

Один из таких образов – Акрополь, холм в Афинах с целым комплексом великолепных храмов и дворцов. Именно там находился главный храм Афины, Парфенон. Невероятную красоту этого места в древности, залитую лучами восходящего солнца, изобразил на своей картине Лео фон Кленце, немецкий архитектор и художник.

Его реставрация, созданная в 1846 году, в деталях показывает убранство Акрополя. Над храмами возвышается статуя Афины Промахос – богини-воительницы, готовой разит копьём врагов Греции. Статуя была изготовлена из бронзы известным мастером Фидием, но не сохранилась.

Картина Над храмами возвышается статуя Афины Промахос – богини-воительницы

Противостояние Афины и Марса

Интересно в картинах художников разных эпох интерпретируются образы двух богов войны – Афины и Ареса. В Древней Греции не зря именно два божества отвечали за сражение и удачу в них. Фактически, они представляли два типа войны:

  1. Для Ареса в сражении был главным сам бой, кровопролитие, удовлетворение собственной жестокости. Он представлял войну ради войны.
  2. Афина же сражалась всегда ради справедливости. Её война должна была защищать людей, родину, порядок и мир.

Поэтому на полотнах часто встречается сюжет, как Афина не просто сражается с Аресом (как, например, во время Троянской войны). Миневра буквально прогоняет своего брата Марса от процветания и мира, не давая ему разрушить всё это бессмысленной войной. Её цель – не сражения. Афина покровительствует лишь войнам, которые должны восстановить порядок, нарушенный несправедливостью. Ради этого Афина готова бороться с любыми врагами, даже собственными божественными родственниками.

Именно к такому сюжету обратился Паоло Веронезе, один из известнейших живописцев венецианской школы. На его полотне Миневра гонит прочь Марса, защищая Мир и Процветание в виде двух хрупких девушек, которых буйный Арес легко смог бы ранить.

Картина Паоло Веронезе, Миневра гонит прочь Марса, защищая Мир и Процветание в виде двух хрупких девушек, которых буйный Арес легко смог бы ранить.

Полотна, посвящённые Афине как повелительнице искусств

При всей воинственности Афине не были чужды и вполне женские занятия – ремёсла, рукоделие, искусство. По некоторым версиям, Афина сама изобрела их и после передала знания людям, обучив их. По другим – она сама была ученицей у разных богов, например, секреты ткачества поведал ей Эрот. Ремёслам же она обучалась вместе с Гефестом у одноглазых великанов циклопов.

В любом случае богиня создавала сама множество вещей, например, одежду и скульптуры, и помогала в этом деле другим. Это нашло отражение и на картинах.

Ханс Йорданс III, фламандский художник, изобразил именно эту сторону Афины. Она пришла к музам, богиням искусства, но не для сражений. Это мирная сцена, разыгрывающаяся под прохладной сенью деревьев. Сверху резвятся купидоны. У ног самой Афины сидит её постоянный спутник – сова, символ мудрости.

Картина Ханс Йорданс III, Афина ришла к музам, богиням искусства, но не для сражений

Глейр Марк Габриэль Шарль. Афина и грации, богини красоты, изящности.

Глейр Марк Габриэль Шарль. Афина и грации, богини красоты, изящности.

Джордано Лука. Афина – покровительница искусства и науки.

Джордано Лука. Афина – покровительница искусства и науки.

Hendrick van Balen. Афина среди муз с музыкальными инструментами.

Hendrick van Balen. Афина среди муз с музыкальными инструментами.

Рене-Антуан Уасс. Музы показывают Афине источник, который сотворил Пегас на горе Геликон. Вода из этого источника приносила поэтам вдохновение.

Рене-Антуан Уасс. Музы показывают Афине источник, который сотворил Пегас на горе Геликон. Вода из этого источника приносила поэтам вдохновение.

Hans Rottenhammer, Афина, окружённая музами.

Картина Hans Rottenhammer, Афина, окружённая музами.

Joos de Momper the Younger, Афина и музы на горе Геликон.

Картина Joos de Momper the Younger, Афина и музы на горе Геликон.

Другие картины богини

Подготовительный картон авторства американского художника и иллюстратора И. Веддера, по которому позже делали мозаику в Библиотеке конгресса в Вашингтоне. 1896 г.

Иллюстрация И. Веддера, по которому позже делали мозаику в Библиотеке конгресса в Вашингтоне. 1896 г.

Хендрик Ван Бален (фламандский художник), Суд Париса, 1600 г. По легенде, между тремя богинями – Афродитой, Афиной и Герой – разгорелся спор за яблоко раздора, брошенное богиней раздора Эридой. На блоке была надпись «прекраснейшая». Рассудить их должен был Парис, сын троянского царя.

Изображение богини Афины интересна тем, что тут показана её двойственная природа. С одной стороны, она прекрасная обнажённая дева, чью красоту может созерцать зритель. С другой – она не снимает шлем и держит щит и копьё, не отказываясь от своей воинственной ипостаси. Также у её ног сидит сова – символ мудрости и священная птица богини.

Картина Афины Хендрик Ван Бален

Парис Бордоне, итальянский художник, обратился в своей работе «Афина отвергает ухаживания Гефеста» к ещё одному сюжету. Он касается рождения Эрихтония, мифического царя Афин со змеями между ног.

Согласно мифу, однажды Афина пришла к богу огня и кузнецкого мастерства Гефесту. Однако Гефест вместо помощи воспылал страстью и стал преследовать богиню. Афина, будучи целомудренной девой, отказала ему. Семя Гефеста в результате попало на её ногу, и богиня вытерла его шерстяной накидкой и бросила на землю. По другой версии, семя сразу оказалось в земле. Несмотря на это, сила божеств оказалась такой сильной, что Эрихтоний появился на свет.

Картина Парис Бордоне, Афина отвергает ухаживания Гефеста

Дюбуа Франсуа, французский художник. Миневра. В руке богиня держит символ победы – венок из листьев оливы, священного дерева Афины.

Картина Дюбуа Франсуа, французский художник. Миневра

Анн-Луи Жироде-Триозон, французский исторический живописец, изобразил Афину с двумя её братьями-богами – богом света и солнца Аполлоном и божеством торговли, вестником Гермесом. Это одна из картин, где Афина вовсе не рвётся в бой. Трое персонажей просто мирно беседуют на фоне небес.

Анн-Луи Жироде-Триозон, изобразил Афину с двумя её братьями Аполлоном и Гермесом

Бенвенуто Тизи (известен по прозвищу Гарофало по гвоздике на гербе), 1512 г. Спор Афины и Посейдона за Аттику.

Бенвенуто Тизи (известен по прозвищу Гарофало по гвоздике на гербе), 1512 г. Спор Афины и Посейдона за Аттику.

Георг Энгельхард Шрёдер (шведский художник). Афина и Пегас. Именно Афина поймала крылатого коня после того, как тот появился из крови Медузы Горгоны. Она же приручила его и отвела к музам на Парнасе. Когда Пегас понадобился Беллерофонту для сражения с химерой, Афина снова явилась за конём и передала его герою.

Картина Георг Энгельхард Шрёдер (шведский художник). Афина и Пегас

П.П. Рубенс стал одним из художников, которые изображали в виде богов реальных людей. Так, Афина на его полотне – на самом деле Мария Медичи, королева Франции. Именно поэтому она предстаёт скорее не воинственной богиней, но монархом, цель которого – хранить свою державу и преумножать её богатства.

На голову Марии-Афины купидоны надевают венок из лавровых листьев – символ победы. Причём крылья этих божков не птичьи, они взяты от бабочек и символизируют бессмертие. В руках богини – фигурка Ники, богини победы, и королевский скипетр. Весь образ дышит величественностью, спокойствием и уверенностью.

Карина П.П. Рубенс, Афина

Пауль Трогер, австрийский живописец и график. Изобразил Афину в самый разгар боя, когда она устремляется на врагов, подняв копьё.

Пауль Трогер, австрийский живописец и график. Изобразил Афину в самый разгар боя, когда она устремляется на врагов, подняв копьё.

Уасс Рене-Антуан, 1688 г. Афина даёт Персею зеркальный щит, готовя его к поединку с Медузой Горгоной.

Уасс Рене-Антуан, 1688 г. Афина даёт Персею зеркальный щит, готовя его к поединку с Медузой Горгоной.

Уасс Рене-Антуан. Миневра, управляющая конями среди моря.

Уасс Рене-Антуан. Миневра, управляющая конями среди моря.

Блондель Мерри-Жозеф, Спор Афины и Посейдона на владычество над Аттикой.

Блондель Мерри-Жозеф, Спор Афины и Посейдона на владычество над Аттикой.

Arnold Houbraken. Афина навещает бога солнца Аполлона на горе Парнас.

Arnold Houbraken. Афина навещает бога солнца Аполлона на горе Парнас.

Noel Halle, Спор Афины и Посейдона за Аттику.

Noel Halle, Спор Афины и Посейдона за Аттику.

Франц фон Штук. Скульптор и художник из Германии. Его картины отличаются необычным сочетанием академического натурализма и модерна. Влияние Ницше привело к тому, что живописец часто использовал в своих работах аллегории и фантастические мотивы. Афина его работы проникнута благородством и достоинством, при этом её лицо отличается живостью и реалистичностью, а также мягкостью черт и зрелостью.

Картина Франц фон Штук, Афина

Александр Иванович Рекуненко – один из интереснейших художников России. Его стезя – мистериальное искусство, эзотерика. В творчестве основывался на учении Махатм, Библии, мифологии Греции и Востока. Не смог он обойти вниманием и богиню Афину, как одну из главных наставниц человечества.

В своей работе Рекуненко отошёл от привычного образа Паллады и присоединил к нему также элементы восточных учений. Афина стоит на фоне Эгейского моря, на ней нет и следа доспехов, только целомудренное бело платье с украшениями. В руках – оливковая ветвь из золота, символ победы и мира. Радуга над головой имеет несколько значений – это и знак принадлежности к жителям Олимпа, и божественный источник сил, антахкарана из индийской философии. Богиня использует его, чтобы обустраивать мир.

Афина на полотне – это богиня-мать, великая дарительница жизни. Она направляет души людей, которые хотят развиваться и расти, помогает им обрести знания. А её надёжность и непоколебимость символизирует кладка из камней на заднем фоне. Афина – это та, которую зовут «Наимудрейшая».

Картина Александр Иванович Рекуненко, Афина

Ауэр Роберт, художник из Австрии. Его отличительная черта – плоскостные картины в стиле мозаики из различных цветовых пятен, за счёт чего они привлекают взгляд, буквально играют красками и переливами.

Ауэр Роберт, Картина Афины

Художники, которые работали в жанрах мифологии, постоянно обращались к образу Афины. Посвящал картины богине Афине и Говард Дэвид Джонсон, американского иллюстратора и живописца. Афине посвящены два полотна, причём первый пронизан нежностью и вдохновением, спокойствием, второй же – боевым духом Афины, которая готовится защищать справедливость и мир.

Посвящал картины богине Афине и Говард Дэвид Джонсон

Различные рисунки и арты с богиней Афиной

Афина в гневе разрывает полотно Арахны, которая дерзнула соревноваться с богиней в ткачестве.

Изображение, Афина в гневе разрывает полотно Арахны, которая дерзнула соревноваться с богиней в ткачестве.

Майкл Паркес, современный американский художник. Основал течение магического реализма, известен своими картинами на фантастическую и фэнтези тематику. Афина – одна из них. Здесь богиня предстаёт немного в сюрреалистическом образе и окружении, привычные символы, которые дополняют, тоже изменяются и выглядят необычно.

Картина Майкл Паркес, Афина

Уаетс Нэвел, иллюстратор из Америки. Афина.

Уаетс Нэвел, иллюстратор из Америки. Афина.

Иллюстрация Кинкуо Крафт, одной из самых уважаемых фэнтези-художниц в стиле ренессанса. Её Афина действительно будто вышла из сказки. Она нежная, волшебная, совсем не похожая по образу на воительницу. Сова, её вечный спутник, ластится к своей хозяйке.